Esta vez nos sentamos delante de Jost Nickel. Para el que no lo sepa, Jost es uno de los profesores con los que por ejemplo ha estudiado Anika Niles. Este alemán, nos dejá boquiabiertos cada vez que vemos algún video suyo y ya no os digo si tenéis la oportunidad de verlo en directo. Además tiene varios libros editados que son recomendados por numerosos artistas.

Y así es cómo él se define “Mi sonido de batería es articulado y contundente, que contrarresta con un sonido en platos exótico y jazzístico”. Su ambiente de ‘luz y sombra’ refleja a un baterista de vanguardia que mantiene un pie anclado en la tradición, con un groove y un ritmo innegables.

¡Hola Jost! ¡Encantado de conocerte aquí en el mundo digital!

El placer es mío. Lo siento, tengo estos grandes auriculares puestos, mis auriculares internos que normalmente uso están en mi maleta que se perdió en mi vuelta a Alemania desde España. Estuve tocando allí en el festival Alteisa, que fue increíble y me lo pasé muy bien con la gente de allí y me traje muy buenos recuerdos, pero mi maleta no llegó. 

Sin hablar de la batería: háblanos de ti.

Nací en Berlín, Alemania, y crecí en Alemania pero no en Berlín porque cuando tenía dos años mis padres se mudaron a un pequeño pueblo del norte. Y allí es donde crecí. Era un niño normal con mis aficiones, pero me gustaban mucho los deportes. Me gustaba mucho el voleibol y el balonmano, pero dejé de jugar cuando se volvió demasiado agresivo. 

No era la persona más grande ni más fuerte para mi edad, así que cuando se volvió demasiado agresivo lo dejé, porque tenía otra pequeña afición musical aparte y no quería hacerme daño en las manos.

Así que empecé a tomar clases de piano cuando tenía 8 años, y lo disfrutaba pero no practicaba mucho. Era ese tipo de alumno que sólo tocaba una vez a la semana cuando tenía la clase. Terminé el colegio en el mismo pueblo, pero luego me trasladé a otra ciudad para hacer el servicio civil, que en aquella época se podía hacer en lugar de alistarse en el ejército, tenías que hacer una cosa o la otra. Así que hice eso, y luego fui a la universidad donde estudié economía durante unos dos días, porque había otra carrera musical que deseaba seguir.

Cuando terminé el servicio civil, me trasladé a Nueva York durante unos tres meses, que es una gran ciudad musical. Así que pensé que me gustaría probar con la música durante los próximos 4 años. No sé por qué elegí 4 años, pero pensé que era una buena cantidad de tiempo para darme a mí mismo y entonces saber si funciona o no. Desde entonces, he sido músico. 

¿Cómo empezó a tocar la batería? ¿Quiénes fueron tus primeras grandes influencias?

Cuando tenía 10 años, un amigo mío tenía una pequeña batería para niños y un día me dijo “voy a tocar la batería para ti”. Y yo dije “vale”. En realidad, no me entusiasmaba oírle tocar, pero pensé, bueno, sólo son 5 minutos, así que vamos a ver. Y me encantó. Puso algo de música y tocó con el y me pareció increíble, hermoso y perfecto. Desde entonces, supe que quería tocar. 

Fue así de sencillo para mí. Luego había mucha música en la televisión y cuando la veía siempre me fijaba en la batería. En ese momento no me gustaba ningún batería en concreto, excepto Peter Chris, que era el batería de KISS. De niño me gustaba mucho KISS, por la combinación del maquillaje, la vestimenta y las canciones. La batería no era excepcional, pero encajaba muy bien con el grupo. 

Así que le preguntaba a mi madre si podía tener una batería y tocarla. Seguí insistiendo y preguntando, y un día me dijo “bueno, por qué no”. Le gusta la música en general y pensaba que era un buen pasatiempo para los niños. También estoy de acuerdo con eso. En general, si un niño tiene algo que le gusta hacer, es algo bueno. 

Mi hermano mayor compró un bajo y yo una batería y empezamos a tocar en el sótano. No sabíamos qué hacer, pero simplemente tocábamos. Y luego, al cabo de un año, mi madre dijo “quizá deberías tomar clases, así aprenderás más”. Era muy bueno. Tomé clases durante unos 6 años. Por aquel entonces ya conocía la notación y la teoría musical gracias a las clases de piano que había recibido hasta entonces. Aunque la notación de la batería es completamente diferente, sigue siendo parte del mismo sistema, sólo que en la batería no tienes que tocar ninguna nota específica. Así que aprendí la notación de la batería, aprendí los rudimentos y la independencia y todas esas cosas divertidas. 

Mi segundo profesor de batería fue el que me llevó a conocer realmente a Steve Gadd, Dave Weckl y Jack Dejohnette, y así llegué a conocer a todos estos bateristas que me han inspirado y la música que tocaban. Así es más o menos cómo surgió todo.

Has realizado giras por todo el mundo con algunos artistas increíbles, has viajado por todo el mundo enseñando tu oficio en clinics, y has grabado en algunos álbumes increíbles, algunos de ellos propios. ¿Dónde te sientes más cómodo, en el escenario, en el estudio o en el “aula” de las clinics?

Realmente depende. Me siento muy cómodo en el estudio, pero no todos los tipos de música que grabo en el estudio me gustaría tocarlos en directo. 

Hay cierto tipo de música pop que es interesante crear en el estudio, que está muy orientada al sonido y la batería es sencilla, en el sentido de que no se tocan muchas notas, pero aun así es muy complicada porque hay que clavar el feeling y hacer que tenga groove. 

Sin embargo, este tipo de música tiende a ser muy repetitiva, y cuando cada concierto es igual, no es el estilo más agradable para tocar en el escenario. Así que en cuanto a la música con la que me siento cómodo tocando en el escenario, me gusta la música que tiene espacio para la improvisación, en la que los fills enérgicos están permitidos en el sentido de que son abiertos pero se ajustan al estilo de música que toco. Así que eso es lo que más disfruto cuando toco en directo.

Además, en un entorno de directo, creo que es muy importante que el artista para el que toco aprecie a la banda. No siempre es así. Hay algunos cantantes o artistas que no están realmente interesados en la banda. Sólo quieren buenos músicos. No les interesan los músicos como individuos o personalidades. Así que eso no me gusta. Intento mantenerme alejado de esas situaciones. Si termino en una situación así, probablemente no seguiré tocando allí. 

Sólo se vive una vez y para mí no vale la pena. Me siento muy cómodo también enseñando y haciendo clinics. Me gusta mucho esa parte de mi carrera. Sin embargo, estoy muy contento de hacer una mezcla de las tres cosas. Eso significa que no es siempre lo mismo. 

¿Cuál es el género en el que te sientes más cómodo tocando? 

Creo que en realidad no tiene que ver con el género. Primero está la parte de apreciación de la que hablaba antes. Si sientes que todos en el escenario están haciendo esto juntos y que la contribución a la música es apreciada y valorada, entonces esa es la mejor sensación. Y si se permite alguna improvisación, mejor aún. 

En cuanto a la música, me siento bien cuando toco música que tiene algún tipo de back beat. No tiene que ser con la caja en el 2 y 4. No soy el mejor tocando jazz por ejemplo, así que definitivamente ese no es el primer estilo que tocaría. La banda que encaja perfectamente conmigo es la banda con la que acabo de tocar en su gira y es Jan Delay & Disko nº1.

El líder de esa banda es todo energía, y en algunas partes incluso está bien cambiar el ritmo. También le gusta que sea una sorpresa para él. Le gusta el concepto de que no tiene que ser siempre lo mismo. Por supuesto, el resto de la banda toca lo que yo marco, así que si hay una figura de bombo necesaria para esa parte de la canción, siempre la tocaré. Esas cosas no las cambiaré. Pero en algunas partes está bien cambiarlas un poco. 

Al final, lo más importante es tocar con el tempo correcto y hacer que siempre tenga groove. Incluso los rellenos tienen que tener groove. Así que sí, tocar en esa banda es maravilloso. 

Las circunstancias son maravillosas porque la banda es muy conocida en Alemania, así que eso lo hace aún más divertido. 

Háblanos de tu primer disco en solitario “The Check In”. ¿De dónde viene la inspiración? ¿Cómo ha sido el proceso creativo?

Siempre he creado música con grupos, incluso en el grupo del que acabamos de hablar, soy parte del proceso de composición en esa banda. Pero siempre quise grabar mi propio álbum y siempre tuve demasiado miedo de empezar, hasta que un día finalmente comencé. 

Salió este pasado abril de 2021, y todo esto lo había empezado en 2018. Es cierto que me lleva mucho tiempo escribir las canciones porque pruebo esto y lo otro hasta que estoy contento. Si lo haces todo tú solo, ¡es mucho trabajo! Pero estoy muy contento de haberlo hecho. Ahora estamos empezando a tocar en directo con este álbum, lo cual es una nueva experiencia que estoy disfrutando mucho. 

En general estoy muy contento con el álbum. Sólo hay algunas cosas que cambiaría si pudiera volver a hacerlo. Son algunas cosas que mantendría incluso más sencillas de lo que son. Pensé “ah, podría haber tocado menos aquí”. 

Pero en cualquier caso estoy contento con el resultado y ya estoy empezando a trabajar en un nuevo disco porque no puede ser el único. Tiene que haber más, ¿no? 

En cuanto al proceso, en realidad las canciones vinieron primero y luego volví a intentar encontrar las partes de batería que encajaran con las canciones. También quería encontrar partes de batería que no fueran demasiado obvias. Partes que tuvieran algo de especial, sin quitarle importancia a la canción. Así que intentaba hacer eso porque, ya sabes, soy un baterista y disfruto tocando cosas que no sean demasiado obvias para el oyente. 

Una vez leí una entrevista a un batería que también hablaba de su disco en solitario, y decía que intentaba crear las partes de batería más complicadas para las composiciones. Y yo dije: “Vaya, vale, eso no es en absoluto lo que intentaba hacer”. Así que tuve que volver a ponerme el sombrero de batería porque estaba tan metido en el proceso de composición de las canciones que me había olvidado un poco de las partes de batería. 

Me centré en los demás instrumentos porque esa era la parte más difícil para mí: decidir qué instrumentos podían llevar las melodías. Como bateristas, no podemos llevar la melodía, sólo si cantamos. Así que utilicé el piano para empezar el proceso de composición porque fui estudiante de piano durante muchos años, y ese fue mi primer instrumento. 

Así que se me ocurrían las melodías en el piano y no entraba en demasiados detalles con el sonido del piano porque sabía que iba a haber músicos que tocaran esa melodía, ya fuera guitarra, sección de vientos o teclados. Incluso utilicé una guitarra eléctrica que sonaba muy mal sólo para hacerme una idea. 

Luego me reuní con algunos amigos músicos amigos e improvisamos las partes. Teníamos una parte buena y a veces dos ideas que funcionaban muy bien juntas, así que las utilizaba como base de una canción. El mejor consejo que puedo dar a los bateristas que escriben su propia música es que tienen que trabajar duro en ello y sacar la música. Publicarla. Si no lo haces, siempre te vas a quedar a medias.

 Sarah Thawer: ¿Cómo te has adaptado al panorama musical actual con la crisis del coronavirus?

En realidad no me he adaptado. Tengo que decir que no quería adaptarme, una forma de adaptarme habría sido meterme de lleno en la enseñanza online, desarrollando una gran configuración que funcionara bien. Pero no quise hacerlo.

Había otras partes de mi carrera que podía seguir haciendo, como escribir libros y música, porque eso no se había visto afectado. Así que no me adapté porque realmente no quería hacerlo. No me gustaba enseñar en línea porque no podíamos tocar juntos. Lo que me gusta de la enseñanza es la comunicación que compartimos, y el hecho de tocar juntos y escuchar cómo sonamos y ellos escuchan cómo sueno yo. Puedo aprender algo de ellos y ellos pueden aprender algo de mí. Todo esto no funciona en el mundo online.

Hay cosas en la vida que no se pueden hacer online. La música es muy “analógica” en cierto sentido. Creo que la música se disfruta mejor cuando la compartes con gente que está en la misma habitación. Ahí es donde ocurre la magia. Es un momento único en el tiempo que todas las personas de la sala comparten.

Y cuando se acaba, se acaba. Se ha ido para siempre. Puede que lo hayas grabado y publicado, pero no es lo mismo que estar allí y vivir ese momento. 

Me gusta mucho ese pensamiento y por eso no quise adaptarme a la situación. 

BEN WIRJO